wellness

Site-Spezifische Kreation für das Palmenhaus im Wiener Burggarten im Rahmen des Impulstanz Festivals

WELLNESS beschreibt das Paradigma einer Gesellschaft der Befindlichkeit. Das Wohlfühlen gehört zu deren vornehmlichsten Zielen und steht zugleich für eine Bedingung, aus der heraus noch mehr produziert und konsumiert werden will. Wenig verwunderlich hat sich um diesen Begriff der Wellness ein ganzer Markt entwickelt, der das Wohlfühlen nicht nur verspricht, sondern auch verkauft. In diesem Sinne steht Wellness für eine Kultur der Befindlichkeit, die sich rechnet. Unter den Bedingungen von Wellness wird man eingeladen, die eigene Befindlichkeit und damit sich selbst zu konsumieren. Je nach Perspektive wird man gepflegt oder pflegt selbst, man wird trainiert oder trainiert selbst, wird gestreichelt oder streichelt selbst. Diese Ökonomie der Befindlichkeit eröffnet ein ganzes Repertoire an Gesten und Identitäten, das sich Liquid Loft zu Herzen genommen haben, um genauso fasziniert davon wie verwundert darüber ein Stück daraus zu entwickeln.

WELLNESS ist Teil von The Perfect Garden, eine Serie von Live-Performances und Objekt Installationen in Zusammenarbeit mit den bildenden Künstler Michel Blazy.

photos: c. haring, d. payr

wellness

Andreas Spiegl

Eingebettet findet sich dieses Stück in der Performancereihe „The Perfect Garden“. Und dieser perfekte Garten steht nicht nur für ein Stück Natur repräsentiert im Kontext des Palmenhauses im Wiener Burggarten, sondern auch für ein unaufhaltsames Wachstum. Dieser Garten wächst und wächst und wächst… Das entsprechende Set von Michel Blazy folgt dieser Logik des Wachstums. So abstrakt seine Geschöpfe und Pflanzen aus Schaum auch erscheinen mögen, so unerbittlich und zäh bahnen sie sich ihren Weg durch den Raum und die Zeit. Was hier wuchert und gedeiht, erinnert metaphorisch ans Ökonomische. So klettert und frisst sich die Ökonomie der Befindlichkeit in die Körper und durch die Körper. Unaufhaltsam nistet sich das Wohlbefinden in diesen Körpern ein, verspeist sie und verdaut sie. Die Tänzer_innen folgen diesem Verdauungsprozess möglicher Identitäten genauso wie den Soundgebilden von Andreas Berger. Diese Soundgewächse zögern nicht, sich ein Spektrum von kompositorischen Figuren und Prozessen genauso einzuverleiben wie elektronische Partikel und Geräusche, die assoziativ zwischen einer Maschinerie der Befindlichkeit, Urschreifiguren und alltagskulturellem Ambiente oszillieren. Unter den Koordinaten einer Politik der Befindlichkeit gehen Lust, Schmerz, Angst und Ekstase ineinander über. Zusammen formieren diese Elemente aus Tanz, Performance, Bühnenbild und Sound eine Grenze, an der das Wohlbefinden derart spürbar wird, dass es zu schmerzen beginnt.

Wenn Sie das Video anklicken, wird es über Vimeo aufgerufen. Es gelten dann die Datenschutzbestimmungen von Vimeo

well…

Wenn dieses Stück eine Geschichte erzählt, bleibt diese variabel. Sie könnte von einem Spiel zwischen Natur und Kultur genauso handeln wie von den Übersetzungen einer Identitätspolitik in Körperpolitik. Wenn es Motive gibt, so appellieren diese ans Assoziative; und der assoziative Horizont reicht vom Garten – der in diesem Falle buchstäblich den Hintergrund abgibt, bis zur Wellness, die auf ein Subjekt abzielt, das sich nie gut genug fühlt. Dieses defizitär gedachte Subjekt liefert vielleicht den tatsächlichen Ausgangspunkt für das Stück: Ein Subjekt, dem etwas fehlt, begibt sich auf die Suche, um zu finden, wonach es nicht gesucht hat. So wird das suchende Subjekt zur staunenden Figur, die letztlich von sich selbst überrascht wird. Wie diese Überraschung neuerlich zum Ausgangspunkt für eine weitere Suche wird, so entzieht sich die Geschichte eines Anfangs und eines Endes. Das Stück hat schon begonnnen, bevor es noch beginnt und endet auch dann nicht, wenn es schon zu Ende ist. Was sich dazwischen aufspannt, ist ein Prozess, eine zeitliche Membran, die choreografisch und tänzerisch Bewegungen aus dem tragikomischen Lauf der Dinge fischt. Was in diesem zeitlichen Filter hängen bleibt, hängt mit keinem Grund zusammen: Weder wird eine kulturkritische These aufgespannt – und sei es die Fetischisierung des Wohlempfindens mit der darauf aufbauenden Wellnessökonomie, noch wird eine Konsequenz daraus abgeleitet, die sich auf moralische Perspektiven stützen müsste.

Ohne Grund und ohne Verdacht werden in diesem Stück einfache Vorraussetzungen akzeptiert: die Vorstellung des Menschen fußt auf der Existenz von Körpern; und diese Körper repräsentieren Raum genauso wie sie Raum einnehmen. Begleitet und strukturiert wird der Raum, den sie verkörpern und der sie umgibt, von Musik und Sound. Körper, Musik und Sound liefern das Material für die Sprache, die das Stück entwickelt, um die Frage danach stellen zu können, wie Körper und Raum in dieser Zeit, die mit unserer Gegenwart assoziiert werden darf, noch gedacht werden kann. Ohne Grund und ohne erkennbares Ziel vor Augen zielt die Inszenierung auf diese Gegenwart als Zwischenraum, und ohne das Getöse einer kulturkritischen Schlussfolgerung konzentriert sie sich auf das Interimistische, aufs Zwischenspiel. Was in den Blick gerät, sind punktuelle Prozesse, die um Intensität und Sprache ringen und von Intensität umringt werden. Wenn die Körper hier eine Spur verfolgen, werden sie zugleich von eben dieser Spur gezogen. Intensität, die sie irgendwo – im Raum oder in sich selbst vermuten – zieht sie an und eben diese Intensität wirft sie auch wieder aus der Bahn, um neuerlich nach ihr zu suchen. Was hier getanzt wird, ist Anziehung und Ausstoßen zugleich: immer in einer imaginären Gegenwart mit der Gefahr, aus der Zeit zu fallen. Unzeitgemäß, zu früh, zu spät, ziehen sich die Fäden der Zeit.

Wenn sich etwas entpuppt und herausschält, dann ist es nicht die menschliche Figur als Kokon sondern das Fragment. In diesem Stück tendieren das Detail, das Zwischenspiel und der Augenblick zum Fragmentarischen. Die Vorstellung vom vermeintlich Ganzen ist keine Sekunde Thema, nicht einmal sekundär. Sekundär ist vielleicht die Geschichte des Wissens, die hier mit erzählt wird: Der Augenblick, der zum Fragment heranwächst, verkörpert eine Erfahrung, die sich nicht in Wissen übersetzen lässt. Was auf den einen Augenblick folgt, kann nicht auf dem vorherigen aufbauen und sich langsam zu einem Wissen zusammenfügen; wenn hier Wissen entsteht, so ist es das Wissen darum, wieder von Neuem beginnen zu müssen, sich wieder auf eine Spur begeben zu müssen, um von dieser Spur angezogen und ausgestoßen zu werden. Signum dieser Spur ist die Wiederholung, die sich im tänzerischen Detail genauso verkörpert wie in der Struktur des Stücks. Insistiert hier das Detail aufs Ergriffensein von und in einer Bewegungsabfolge, so ist es da die Wiederkehr des Fragmentarischen.

Paradox erscheint allein das Nebeneinander von Wiederkehr und Veränderung: Was sich im Rahmen der Wiederkehr verändert, verändert sich nicht, weil es wiederkehrt. Und was sich im Rahmen der Veränderung wiederholt, wiederholt sich nicht, weil es sich je aufs Neue verändern muss, um überhaupt als Veränderung wiederholt werden zu können. Diese Membran zwischen Wiederkehr und Veränderung bildet den eigentlichen Grund, auf dem die Körper in diesem Stück tanzen und von diesem Stück getanzt werden, ohne auf einen Grund und eine Ursache verweisen zu müssen. Grundlos Grund genug…sich ganz wohl zu fühlen.